10 erreurs à éviter pour un photographe débutant

La photographie est un art merveilleusement complexe qui associe technique, créativité, précision et intuition. Comme dans tout art, l’excellence se cultive à travers la pratique, l’accumulation d’expériences et un solide bagage de connaissances techniques. Pour les débutants, les erreurs se manifestent fréquemment, pouvant décourager lorsque les images capturées ne reflètent pas l’idéal escompté. Dans ce guide, nous allons vous présenter les 10 erreurs les plus courantes et comment les éviter pour améliorer facilement vos images. 

Méconnaissance de son matériel

La première erreur des photographes débutants est de sous-estimer l’importance de bien connaître son matériel photo. Chaque appareil ou objectif a ses propres particularités, forces et faiblesses. Ne pas les connaître, c’est comme ignorer les règles d’un jeu : vous ne pouvez pas jouer efficacement. Les conséquences peuvent se traduire par une utilisation inappropriée des paramètres, des images de mauvaise qualité ou encore l’impossibilité d’obtenir l’effet désiré. Si vous ne savez pas comment régler l’ouverture de votre objectif, par exemple, vous risquez de vous retrouver avec une profondeur de champ inadaptée au sujet.

Pour éviter cette erreur, commencez par lire le manuel de votre appareil. Il est plein d’informations précieuses sur les différentes fonctionnalités et possibilités. Ensuite, la meilleure façon de connaître votre appareil est de l’utiliser. L’objectif à atteindre est une aisance telle que vous pouvez modifier tous les paramètres presque instinctivement, sans jamais détourner le regard du viseur. Il est donc crucial de bien mémoriser l’emplacement des boutons et commandes. Enfin, n’hésitez pas à expérimenter avec différents réglages, modes et techniques. Notez ce qui permet d’obtenir les meilleurs résultats et ce qui semble moins concluant.

Négliger l’éclairage 

En photographie, l’éclairage est bien plus qu’un simple aspect technique. Il est le grand metteur en scène de votre composition, apportant l’ambiance, donnant du volume aux sujets, mettant en valeur les détails ou soulignant les contrastes. Négliger l’importance de l’éclairage, c’est passer à côté de la richesse qu’il peut apporter à vos images. Par exemple, un éclairage mal géré peut engendrer des ombres dures qui dénaturent les traits de votre sujet, ou au contraire, un manque de contraste qui le rend plate et sans relief. Une mauvaise gestion de l’éclairage peut également provoquer des surexpositions ou des sous-expositions, altérant les détails et les couleurs.

Pour éviter ces erreurs, il est essentiel de bien comprendre les différentes phases de la lumière naturelle. Étudiez les nuances des Golden Hour, la lumière diffuse des jours nuageux ou encore l’intensité de la lumière en milieu de journée. Faites des tests et observez comment la lumière interagit avec votre sujet. Apprenez également à maîtriser l’éclairage artificiel. Délaissez le flash intégré à votre appareil au profit d’un flash externe et diffusez la lumière pour obtenir un rendu plus doux et uniforme. Enfin, n’oubliez pas que l’éclairage ne doit pas seulement être bien géré, il doit être créatif. La lumière est un outil d’expression, utilisez-la pour raconter votre histoire, pour créer une ambiance et donner du caractère aux images.

Oublier le storytelling

Chaque photo devrait raconter une histoire, transmettre un message et susciter des émotions ou une réaction. Mais trop souvent, les photographes débutants se concentrent sur l’aspect technique et oublient le storytelling. Cela peut conduire à des photos techniquement parfaites, mais sans âme, des photos qui ne parlent pas au spectateur. Ce sont des photos qui peuvent être très belles à regarder, mais qui sont oubliées aussitôt qu’on les quitte du regard. 

Pour éviter cette erreur, il est important de toujours réfléchir à l’histoire que vous voulez raconter avant de prendre une photo. Quel est le sujet ? Quelle est son histoire ? Quelle émotion voulez-vous transmettre ? Comment pouvez-vous utiliser la composition, l’éclairage, le point de vue pour raconter cette histoire de la meilleure manière possible ? Il est également utile de s’inspirer d’autres photographes, de films, de livres et de la vie de tous les jours. Tout peut être une source d’inspiration pour raconter une histoire dans vos photos. Enfin, n’oubliez pas que le storytelling est un art en soi. Il demande de la pratique, de l’expérience, de la sensibilité. Mais c’est aussi ce qui peut donner à vos photos cette petite étincelle qui fait la différence, ce petit quelque chose qui fait qu’on s’y attarde, qu’on s’y perd, qu’on s’y retrouve.

Toujours photographier à hauteur des yeux

Prendre des photos à hauteur des yeux n’est pas nécessairement une mauvaise chose. C’est une perspective familière qui permet de capturer le monde comme nous le voyons au quotidien. Cependant, en nous y cantonnant, nous risquons de manquer d’autres perspectives intéressantes et créatives. Par exemple, imaginez un enfant jouant allongé sur le sol. Si vous prenez la photo à hauteur des yeux d’un adulte, vous aurez une perspective en plongée et le sujet sera écrasé dans le cadre. Cependant, si vous vous mettez à hauteur de l’enfant, vous serez dans son monde et vous pourrez capter son univers avec plus de précision et d’émotion. Soyez conscient de votre point de vue lorsque vous prenez une photo. Faites attention à la manière dont il influence l’histoire que vous voulez raconter. N’ayez pas peur d’expérimenter avec différents angles. Vous pourriez être surpris de voir comment cela peut apporter une nouvelle perspective à vos images. 

Négliger l’arrière-plan de la photo 

En photographie, on a souvent tendance à focaliser son attention sur le sujet principal en délaissant parfois le reste de l’image. Cependant, négliger l’arrière-plan peut être une erreur coûteuse. Un fond mal choisi ou encombré peut détourner l’attention du sujet ou gâcher l’harmonie de la composition. Un arrière-plan trop chargé ou trop coloré peut voler la vedette au sujet, tandis qu’un élément mal placé en photo de portrait peut donner l’impression que le modèle à des éléments qui dépassent de son corps. Avant de déclencher, jetez donc toujours un œil à l’ensemble du cadre, pas seulement sur le sujet principal de l’image. Qu’y a-t-il derrière votre sujet ? Y a-t-il des éléments qui pourraient distraire le regard ou dégrader la composition ? Si c’est le cas, essayez de changer l’angle, votre position ou de déplacer ces éléments.

Un autre conseil utile est d’utiliser la profondeur de champ à votre avantage. Une grande ouverture (f/1,4, f/1,8 ou f/2,8, par exemple) permet d’obtenir une très faible zone de netteté, floutant ainsi les éléments en arrière-plan. Enfin, n’oubliez pas que le fond fait partie intégrante de votre image et de votre histoire. Il doit être en harmonie avec votre sujet et votre intention. Un fond bien choisi peut ajouter du contexte, créer une ambiance, souligner une émotion ou renforcer le message de la photo. Donc, la prochaine fois que vous prenez une photo, rappelez-vous que votre sujet n’est pas la seule star de votre image. L’arrière-plan mérite tout autant d’attention et de soin. 

S’appuyer excessivement sur le post-traitement

Le post-traitement est une étape essentielle du processus photographique. Il donne la possibilité d’améliorer les images, de corriger les erreurs, de peaufiner les couleurs, les contrastes et la luminosité ou encore d’ajouter une touche personnelle à vos photos. Cependant, s’appuyer excessivement sur le post-traitement peut être une erreur. D’une part, cela peut conduire à la négligence des aspects importants de la prise de vue, comme la composition, l’exposition ou l’éclairage. L’idée que tout peut être « corrigé » en post-production peut créer de mauvaises habitudes et nuire à l’apprentissage et à l’amélioration de vos compétences photographiques.

D’autre part, des retouches excessives peuvent aboutir à des images artificielles, sur-saturées, ou simplement sur-traitées, perdant ainsi leur authenticité et leur naturel. Alors, comment éviter ces erreurs ? Tout d’abord, essayez d’obtenir la meilleure photo possible dès la prise de vue. Prenez le temps de bien cadrer, d’ajuster correctement l’exposition, de soigner l’éclairage, etc. N’oubliez pas que le post-traitement est là pour améliorer vos photos, pas pour les sauver. Ensuite, apprenez à utiliser avec parcimonie et discernement les outils de post-traitement. Le but n’est pas de transformer complètement vos images, mais de les sublimer et d’en faire ressortir le meilleur. 

Ne pas composer les photos

Une autre erreur courante pour les photographes débutants est de ne pas réellement composer les photos. Pourtant, celle-ci donne de la structure à l’image et guide le regard du spectateur. Une mauvaise composition peut rendre une image confuse ou sans intérêt. Elle peut manquer de clarté et de cohérence. Le regard ne sait pas où aller, formant alors une photo déséquilibrée et chaotique. Une mauvaise composition peut aussi affaiblir le sujet, diluer le message et rendre l’image moins forte. Il est donc essentiel de connaître et de comprendre les principes de base de la composition comme la règle des tiers, les lignes directrices, l’espace négatif, ainsi que la théorie des couleurs. Prenez toujours le temps de bien réfléchir à la composition avant de déclencher. Où voulez-vous placer le sujet ? Comment voulez-vous guider le regard du spectateur ? Comment pouvez-vous utiliser les éléments de votre image pour créer un sens de l’harmonie, de la tension, du mouvement, de l’émotion ?

Utiliser le mauvais mode d’exposition 

Vous avez peut-être déjà entendu dire que seuls les « vrais » photographes utilisent le mode manuel et que pour atteindre un niveau professionnel, il est essentiel de maîtriser ce mode. Bien que celui-ci offre un contrôle total sur les paramètres de l’appareil photo, ce n’est pas toujours le plus approprié. Chaque situation peut nécessiter une approche différente et l’usage systématique du mode manuel pourrait être une erreur. En effet, il nécessite plus de temps et d’implication pour être paramétré. Or, toutes les situations ne vous offrent pas cette liberté. 

C’est là que les modes priorité à l’ouverture (mode A ou AV) et priorité à la vitesse (mode S ou TV) peuvent être utiles. Ces derniers vous permettent de contrôler un unique paramètre (l’ouverture ou la vitesse d’obturation), pendant que l’appareil photo ajuste automatiquement les autres réglages pour obtenir une exposition correcte. Le mode priorité à l’ouverture est idéal lorsque vous voulez contrôler la profondeur de champ. Par exemple, pour obtenir un beau flou d’arrière-plan en portrait ou pour assurer une netteté optimale en photo de paysage. Le mode priorité à la vitesse, quant à lui, est parfait lorsque vous devez contrôler le mouvement dans l’image. Par exemple, pour figer un sujet en mouvement rapide ou pour créer un filé artistique. 

Ne pas utiliser de trépied

Un autre piège courant pour les photographes débutants est de sous-estimer l’importance du trépied. Il peut certes sembler encombrant et inconfortable, surtout aujourd’hui avec des appareils stabilités et dotés de bonnes montées en ISO. Toutefois, le trépied apporte une stabilité que vous ne pouvez pas obtenir à main levée. Il peut aider à éliminer le flou de bougé, particulièrement lorsque vous utilisez une vitesse d’obturation étendue, que ce soit pour obtenir un effet de filé sur l’eau ou pour photographier de nuit. En outre, un trépied permet de composer votre photo avec précision et de conserver cette composition le temps que vous voulez. Cela est particulièrement utile pour les photos de paysage, d’architecture, ou pour toute photo qui nécessite une composition soignée et précise. 

Une mauvaise mise au point

Un des éléments les plus frustrants pour un photographe débutant est de constater que le sujet est flou. Cela peut provenir de plusieurs sources : une vitesse d’obturation trop lente, une mauvaise stabilisation de l’appareil, mais le plus souvent, elle découle d’une mauvaise utilisation de l’autofocus de votre appareil. Il est donc essentiel de comprendre comment il fonctionne et d’apprendre à l’utiliser correctement. Par exemple, en portrait, il est souvent recommandé d’utiliser l’autofocus avec détection du visage ou des yeux pour vous assurer de la bonne mise au point. Pour un sujet en mouvement, vous pourrez utiliser le mode de suivi de sujet ou la mise au point continue. De plus, n’oubliez pas que vous pouvez toujours utiliser la mise au point manuelle, surtout dans des situations difficiles pour l’autofocus, comme la photographie de nuit ou la macrophotographie. 

Apprendre de ses erreurs

Il est tout à fait normal de faire des erreurs lorsque l’on débute en photographie et vous ne devriez pas en avoir peur ou honte. Elles sont une part inévitable et précieuse du processus d’apprentissage. Vous devez donc tirer des leçons de vos erreurs pour vous améliorer. Chaque fois que vous prenez une photo qui ne répond pas à vos attentes, au lieu de la rejeter, examinez-la pour comprendre ce qui a mal fonctionné et comment vous pouvez la perfectionner. Alors, la prochaine fois que vous faites une erreur, ne la voyez pas comme un échec, mais comme une occasion d’apprendre et de grandir.

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