Comment donner un style cinématographique à vos photos

Le style cinématographique en photographie évoque des images qui rappellent l’esthétique des films, avec une atmosphère particulière, une composition soignée et une palette de couleurs distinctive. Pour les photographes débutants souhaitant insuffler cette ambiance à leurs clichés, voici un guide détaillé des techniques et astuces à adopter.

Comprendre l’esthétique cinématographique

Avant de vous lancer, il est important de comprendre ce qui constitue le style cinématographique. Ce style se distingue par des compositions soigneusement réfléchies, une utilisation stratégique de la lumière et une colorimétrie travaillée pour éveiller des émotions spécifiques. Contrairement aux photos instantanées et spontanées, les images au look cinématographique donnent l’impression d’être issues d’un film, racontant une histoire en un seul cadre. Pour ce faire, il est possible de jouer sur la composition, l’éclairage, les teintes ou encore la profondeur de champ, par exemple. 

S’inspirer du cinéma

S’inspirer du cinéma est un excellent moyen d’affiner son regard photographique et d’améliorer sa maîtrise du style cinématographique. Prenez le temps d’analyser des films reconnus pour leur esthétique visuelle. Des œuvres comme Blade Runner, Mad Max: Fury Road ou The Grand Budapest Hotel sont des références en matière de composition, d’éclairage et de colorimétrie. Notez comment les plans sont construits, comment la lumière est utilisée et quelles émotions les couleurs transmettent.

Chaque réalisateur a une approche unique de la mise en scène. Identifiez les lignes directrices, les cadrages audacieux et les éléments visuels qui attirent l’attention. Une excellente manière d’apprendre est de tenter de recréer des scènes emblématiques en photographie. Choisissez un film ou une séquence particulière et essayez d’en reproduire l’ambiance à travers vos clichés. Travaillez sur l’éclairage, les couleurs et le cadrage pour vous rapprocher du rendu cinématographique recherché.

Jouer avec l’éclairage

L’éclairage est l’un des éléments les plus déterminants pour donner un aspect cinématographique à une image. Il permet de sculpter les formes, de diriger l’attention du spectateur et de créer une atmosphère visuelle forte. Dans le cinéma, la lumière est utilisée avec soin pour exprimer des émotions, raconter une histoire et mettre en valeur des personnages ou des objets. Il est donc nécessaire d’en faire de même dans vos photos. 

La lumière naturelle forme notamment une ressource précieuse pour créer des images cinématographiques. Les heures dorées, qui correspondent aux instants suivant le lever du soleil et précédant son coucher, offrent une lumière douce et diffuse qui enveloppe les sujets d’une teinte chaude et flatteuse. À l’inverse, la lumière bleue du crépuscule peut apporter une atmosphère plus froide et dramatique, renforçant les contrastes et ajoutant de la profondeur à votre scène. 

Au cinéma, la lumière naturelle est presque systématiquement associée à des éclairages artificiels dits de remplissage. Ces derniers permettent de créer une ambiance spécifique et de renforcer l’impact visuel. Ils peuvent éclairer le sujet, mais également des éléments spécifiques de la scène. L’orientation de la lumière est cruciale pour donner de la profondeur à une image. Une source lumineuse latérale produit des ombres qui structurent le visage et le décor, tandis qu’une lumière venant d’en bas peut créer un effet inquiétant. Une lumière douce et diffuse tend à lisser les traits et à rendre l’image plus homogène, tandis qu’un éclairage dur et directionnel souligne les textures et accentue les contrastes. Enfin, le style cinématographique se marie particulièrement bien avec un éclairage à trois points, avec une source placée derrière le sujet pour renforcer la profondeur et le détacher plus efficacement de l’image. Pensez également à utiliser des gels et filtres de couleur pour que la lumière artificielle se marie parfaitement à l’éclairage naturel ou à l’ambiance de votre scène. 

Soigner la palette colorimétrique 

La palette de couleurs joue un rôle essentiel dans la transmission des émotions et de l’atmosphère d’une image cinématographique. Les réalisateurs et directeurs de la photographie utilisent des couleurs spécifiques pour évoquer des sensations précises, et vous pouvez appliquer ces mêmes principes à votre photographie. Une image cinématographique repose souvent sur une palette de couleurs cohérente et réfléchie. Il est préférable de sélectionner une teinte dominante qui servira de base à l’ensemble de la scène. Par exemple :

• Les tons chauds (oranges, jaunes, rouges) évoquent la nostalgie, la chaleur ou la romance. Ils sont souvent utilisés dans les films dramatiques et romantiques.
• Les tons froids (bleus, verts, gris) suggèrent la solitude, la mélancolie ou la tension, fréquemment exploités dans les thrillers et films de science-fiction.
• Les teintes pastel apportent douceur et légèreté, idéales pour les univers poétiques et oniriques.

Les contrastes colorimétriques permettent de dynamiser une image et d’attirer l’œil sur un élément clé. Vous pouvez exploiter :

• Les couleurs complémentaires (bleu et orange, rouge et vert, jaune et violet) pour un effet percutant et énergique, couramment utilisé dans les films d’action et de suspense.
• Les couleurs analogues (teintes proches sur le cercle chromatique, comme le bleu et le turquoise) pour une harmonie visuelle plus douce et immersive.

Enfin, le style cinématographique présente des couleurs généralement moins vives que dans la photographie traditionnelle. Une légère désaturation peut donner un rendu plus naturel et subtil, évitant un effet trop « numérique ». Pour ce faire, il est possible de réduire la saturation globale afin de créer une atmosphère plus douce et évocatrice. Vous pourrez également jouer sur la balance des blancs pour modifier l’ambiance de la scène. 

Utiliser des filtres de diffusion

Un autre élément clé pour obtenir un rendu cinématographique en photographie est l’utilisation de filtres de diffusion. Contrairement aux objectifs modernes conçus pour offrir une netteté et un contraste optimaux, ces filtres adoucissent l’image en réduisant la dureté des détails et en diffusant la lumière. Ils permettent ainsi d’apporter une texture plus organique et plus douce à vos clichés, tout en atténuant les reflets lumineux de manière artistique. Ils sont particulièrement utiles pour une esthétique proche du film argentique. Parmi les filtres les plus appréciés, on trouve :

• Les filtres Black Pro Mist : ces filtres réduisent le contraste et ajoutent une légère diffusion aux hautes lumières, créant un effet plus doux et plus atmosphérique.
• Les filtres Glimmerglass : ils donnent un éclat subtil aux sources lumineuses et atténuent les textures de la peau, idéaux pour les portraits.
• Les filtres Hollywood Black Magic : utilisés par les cinéastes, ils conservent la richesse des noirs tout en adoucissant les détails et en diffusant les reflets lumineux.

L’utilisation de ces filtres vous permet d’ajouter une touche plus cinématographique à vos photos sans compromettre la qualité de l’image. Ils sont particulièrement utiles pour des scènes de portrait ou de paysage où l’on souhaite créer une ambiance douce et immersive.

Maîtriser la composition

Les cinéastes ont des metteurs en scène spécialisés dans le langage visuel. Tout élément placé devant l’objectif doit l’être de manière réfléchi et intentionnel. Un bon cadrage et une disposition organisée des éléments dans l’image sont d’autant plus essentiels pour raconter une histoire en une seule prise. La photographie cinématographique exige ainsi un œil attentif et une intention précise. Les éléments les plus importants seront généralement les plus grands dans le cadre.

En photo, l’organisation peut suivre le principe de la règle des tiers. Cette méthode consiste à diviser votre cadre en neuf parties égales à l’aide de deux lignes verticales et deux lignes horizontales, puis à placer votre sujet aux intersections de ces lignes. Cette approche évite une composition trop centrée et donne davantage de dynamisme à l’image.

Les lignes directrices jouent également un rôle majeur dans la composition cinématographique. Utiliser des ombres, des accessoires, le paysage ou même des reflets pour guider naturellement l’œil du spectateur vers votre sujet permet de donner de la profondeur et de structurer l’image. Un autre concept essentiel est l’usage des cadres dans le cadre. En intégrant des éléments comme des fenêtres, des portes, des miroirs ou des éléments architecturaux autour du sujet, vous créez une composition qui ajoute du contexte et un sentiment d’enfermement ou de mise en valeur du personnage photographié. Enfin, il est intéressant d’expérimenter avec l’espace négatif. Laisser des zones vides autour du sujet peut renforcer l’émotion et l’histoire de l’image, en évoquant la solitude, l’isolement ou encore l’attente. Jouer avec ces différentes approches permet d’obtenir des images évocatrices et immersives, proches de l’univers du cinéma.

Éditer les images

L’édition est une étape incontournable pour parfaire le style cinématographique de vos photos. Un bon post-traitement permet d’accentuer l’atmosphère souhaitée et d’uniformiser la palette de couleurs pour obtenir un rendu professionnel. Utilisez des outils comme les courbes de tonalité et l’étalonnage des couleurs pour ajuster les teintes et créer une atmosphère cohérente. Appliquez une légère teinte chaude pour un effet nostalgique, ou une tonalité plus froide pour un rendu dramatique.

Vous pouvez également ajuster l’exposition, le contraste et la balance des blancs pour sculpter l’image. Un contraste maîtrisé permet d’accentuer la profondeur et d’ajouter du dynamisme à la scène. Pour renforcer l’esthétique cinématographique, vous pouvez intégrer un léger grain qui imite la texture des films argentiques. Certains outils permettent également d’ajouter des flares et des effets de lumière, très fréquents dans l’univers du cinéma. Enfin, pour un style cinématographique automatique, vous pouvez opter pour le pack de 101 presets Lightroom cinématographique qui offre un rendu professionnel en un seul clic. 

En résumé 

Créer une photographie au style cinématographique demande une approche réfléchie et une attention particulière aux détails. La composition, l’éclairage, les couleurs et le post-traitement jouent tous un rôle essentiel dans l’élaboration d’images qui évoquent des émotions et captivent le regard. En combinant ces techniques et en s’inspirant des films qui vous passionnent, vous pourrez progressivement affiner votre propre style et développer une signature visuelle unique. N’oubliez pas que l’expérimentation et la pratique sont les clés de la réussite : explorez différentes approches, analysez vos clichés et affinez vos réglages pour obtenir des images qui racontent une histoire et transportent le spectateur dans un univers digne du grand écran.

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