Les techniques d’Ansel Adams pour des paysages en noir et blanc

Ansel Adams est le photographe de paysage le plus populaire du 20e siècle. Célèbre pour ses images d’un noir et blanc incomparable de l’Ouest américain et plus particulièrement du parc national de Yosemite, Ansel Adams influence aujourd’hui encore d’innombrables photographes à travers le monde. Dans ce guide, nous allons examiner différentes techniques d’Ansel Adams pour les transposer à la photographie numérique moderne et vous aider à devenir vous aussi, un maître de la photographie de paysage. 

Maximiser la netteté et la profondeur de champ 

Les photos d’Ansel Adams ont toutes en commun une très grande netteté du premier plan jusqu’à l’arrière-plan. Chaque scène est nette et bénéficie d’une profondeur de champ étendue au maximum des possibilités de l’époque. En 1932, Ansel Adams a même fondé avec Edward Weston le “groupe f/64”, un comité de photographes qui rejettent l’esthétique alors prédominante des paysages doux et impressionnistes du mouvement pictorialisme. Ces photographes cherchent alors à tout prix à ce que chaque élément de leurs prises de vues soit retranscrit de manière la plus pure et la plus fidèle possible.

Avec la photographie numérique, vous pouvez obtenir une image nette et détaillée encore plus facilement qu’à l’époque d’Ansel Adams. Pour ce faire, la première étape consiste à définir une ouverture comprise entre f/11 et f/16. Ainsi, vous pouvez étendre la profondeur de champ de l’image, sans que la diffraction provoquée par l’objectif vienne impacter la finesse des détails. En plus de cette ouverture, il est également important de bien réaliser la mise au point pour maximiser la netteté sur l’ensemble du cadre. Pour ce faire, il est avant tout nécessaire de proscrire la mise au point sur l’infini. Couramment utilisée lorsque l’on débute en photographie, celle-ci assure une bonne netteté sur une grande partie de l’image, mais le premier plan reste hors de la focalisation. Il est donc préférable d’opter pour la distance hyperfocale ou d’effectuer la mise au point sur un élément situé deux fois plus loin que l’objet le plus proche apparaissant à l’image. Pour une scène statique, vous pouvez également réaliser un bracketing de mise au point. 

À lire : où et comment réaliser la mise au point en photo de paysage ? 

Connaître l’emplacement

Durant sa carrière, Ansel Adams a souvent répété “une bonne photographie, c’est savoir où se placer”. Cet emplacement est en effet déterminant en photo de paysage. L’endroit où vous vous situez par rapport au paysage va déterminer le point de vue, l’ambiance de l’image, ainsi qu’en partie la composition. Si Ansel Adams est parvenu à sublimer le parc de Yosemite en Californie, c’est en partie parce qu’il a exploré les lieux comme aucun autre photographe. Il passait des heures à faire de la randonnée et du trekking dans les montagnes pour trouver les plus beaux points de vue. Il en est venu à connaître le parc dans sa plus stricte intimité et pouvait reconnaître un emplacement de manière instinctive. Pour photographier comme Ansel Adams, vous devrez donc commencer par explorer votre environnement et seulement lorsque vous connaîtrez le lieu, vous serez en mesure de vraiment comprendre comment en capturer toute sa splendeur. 

Explorer l’intégralité d’un lieu n’est cependant pas toujours réalisable, d’autant plus en vacances où le temps sur place est limité. Dans ce cas, essayez tout de même de sortir des sentiers battus et loin des points de vue touristiques pour obtenir des images plus uniques. Même après avoir trouvé une position vous offrant le plus beau panorama, ne restez pas statique et déplacez-vous sur les côtés pour tenter de trouver la meilleure composition. Parfois, il faudra vous allonger sur le ventre ou sur le dos pour obtenir une meilleure perspective. 

Visualiser l’image avant sa capture 

Avant chaque prise de vue, Ansel Adams prenait du temps pour observer le paysage, pour étudier la manière dont les différents éléments interagissent entre eux, mais également pour observer la force et la direction de la lumière. Comme le photographe lui-même l’a souligné, il était en mesure de construire l’image finale avant même de déclencher. Si la photo visualisée le passionnait, il y avait de fortes chances que cela fasse une bonne photo. C’est à la fois un sens intuitif et une capacité qui nécessite beaucoup de pratique. La leçon à en tirer est de prendre votre temps lorsque vous arrivez sur place. Ne dégainez pas votre appareil sans même étudier chaque partie de la scène. Demandez-vous ce que vous désirez vraiment réaliser comme image.

On s’est tous déjà trouvé face à une scène passionnante à nos yeux, mais qui s’est en réalité révélée décevante une fois en photo. Cela vient du fait que l’on n’a pas pris suffisamment de temps pour réfléchir à la manière dont il fallait s’y prendre pour retranscrire les mêmes sensations à travers une image. Pour ce faire, il est nécessaire de travailler la composition, de comprendre les paramètres techniques de son appareil, mais aussi de savoir où se tenir, quel objectif utiliser, etc. Par la suite, ce travail et ces différentes réflexions sont instinctifs et plus on prend d’images, plus on arrive à influencer le résultat final d’une photo. 

Placer l’horizon en haut du cadre 

La technique de composition qu’Ansel Adams a le plus souvent utilisée consistait à placer l’horizon haut dans le cadre, généralement aux deux tiers de la hauteur de l’image. Cela signifie que la majorité de l’image se compose du paysage, au profit du ciel. Le paysage peut ainsi sembler plus vaste, plus fort et plus grandiose. Avec cette technique, les lignes naturelles du paysage sont également étendues, guidant plus efficacement le regard du spectateur à travers l’image. La force visuelle est ainsi efficacement renforcée. Lorsque vous appliquez cette technique en abaissant le point de vue, vous pouvez intégrer une plus grande partie du premier plan et créer une image plus dynamique et vivante. Ce point est très important en paysage où la scène peut sembler plate et statique sans les bonnes techniques de composition. 

Transmettre des émotions 

En tant que photographe, on se contente parfois de capturer une image sans même réfléchir aux émotions que l’on souhaite susciter sur le spectateur. Cependant, pour créer des images plus efficaces, il est indispensable de se concentrer sur les sensations transmises par la scène et non uniquement de l’apparence de cette dernière. C’est notamment pour cette raison qu’il est indispensable de visualiser l’image avant sa capture. Ansel Adams explique très bien ce principe avec son image la plus populaire : Moonrise, Hernandez réalisée au Nouveau-Mexique en 1941. Cette photo illustre la Lune se levant dans un ciel noir dominant au-dessus d’un ensemble d’habitations. Ce ciel est rendu volontairement noir par Ansel Adams afin de donner le sentiment au spectateur d’assister au vrai lever de lune. Comme souligné par le photographe, le résultat n’est pas du tout réaliste, mais l’image qui en résulte est nettement plus efficace et transmet des émotions beaucoup plus fortes. 

Pour appliquer ce principe à vos images, vous devez toujours vous demander quel genre d’émotions vous souhaitez évoquer chez le spectateur. Essayez-vous de leur montrer de la beauté, de la tristesse ou encore de la sérénité ? Différentes méthodes peuvent être appliquées pour transmettre ces émotions dans vos images. En photographie de paysage, vous devez notamment étudier l’impact de la lumière et exploiter certaines splendeurs naturelles comme le brouillard ou des reflets, par exemple. Enfin, photographier avec votre cœur et vos émotions. De cette manière, vous parviendrez plus facilement à communiquer vos sentiments à travers l’image. 

Le noir et blanc 

Ansel Adams ne prenait pas des photos de paysage en noir et blanc uniquement par choix technique, mais surtout par contrainte technologique. Le photographe a su travailler ce style avec brio et y est resté attaché jusqu’à la fin de sa carrière. Dans les images d’Ansel Adams, le noir et blanc sublime le paysage en dépouillant la scène pour n’en laisser que les composants les plus élémentaires. Les formes deviennent sensuelles et se détachent plus efficacement, tout comme les textures et la lumière dont la force, l’intensité et le contraste sont plus que jamais mis en avant. Cependant, Ansel Adams ne se contentait pas de produire une simple image en noir et blanc comme tant d’autres photographes, mais a mis au point un procédé de développement unique nommé le Zone System. Cette méthode permettait de mesurer des valeurs de luminance pour que chaque zone de l’image puisse rester claire et perceptible. Trouver une image d’Ansel Adams avec des ombres bouchées est presque mission impossible tant le photographe maîtrisait bien sa technique. 

Pour obtenir un rendu digne d’Ansel Adams, il ne suffit pas de convertir simplement votre image en noir et blanc, mais vous devez ajuster manuellement chaque paramètre de luminosité et de teinte de la photo. Pour ce faire, il est avant tout nécessaire de photographier au format RAW. Ce dernier converse un maximum d’informations sur la prise de vue, pour une retouche plus précise qu’avec une image JPEG. Ensuite, vous pourrez ajuster de manière millimétrique la luminosité de chaque gamme tonale et de chaque teinte à partir d’un logiciel comme Photoshop ou Lightroom. Pour une retouche toujours plus simple, vous pouvez également opter pour le pack de presets Lightroom pour la photo de paysage en noir et blanc qui dispose de certains presets offrants un rendu similaire à une photo d’Ansel Adams en un simple clic. 

On arrive à la fin de ce guide et vous pourrez désormais photographier de sublimes photos de paysage en noir et blanc grâce à ces différentes techniques d’Ansel Adams. 

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